La trama : un melodramma sullo sfondo del terrorismo

La trama di Fedora abbraccia tre luoghi in tre atti – San Pietroburgo, Parigi e l'Oberland bernese – e tre momenti : l'assassinio di Vladimir Andrejevich alla vigilia del suo matrimonio con la principessa Fedora Romazoff (San Pietroburgo), l'incontro con il conte Loris Ipanoff, accusato dell'omicidio in quanto anarchico a Parigi dove vive in esilio, e il tragico epilogo sulle Alpi svizzere

La pièce di Victorien Sardou del 1882, che ha ispirato il libretto, è stata tratta direttamente dalla turbolenta storia della Russia, che nel 1881 aveva appena perso il suo zar “liberale” Alessandro II, assassinato da un anarchico nel giorno in cui stava per dare al Paese una costituzione… Siamo quindi a San Pietroburgo, sullo sfondo di un regime che si indebolisce, di tensioni politiche e di terrorismo.

Atto primo : San Pietroburgo

La principessa Fedora Romazoff deve sposare il conte Vladimir Andrejevich, ma questo viene riportato a casa gravemente ferito, crimine di cui viene accusato il conte Loris Ipanoff, noto per essere un simpatizzante anarchico. Vladimir muore.
La principessa giura vendetta sulla sua croce bizantina, che porta sempre con se.

Atto secondo : Parigi

Ipanoff vive in esilio a Parigi e Fedora, desiderosa di vendetta, lo ha seguito. Durante una festa, le confessa il suo amore per lei e di aver ucciso Vladimir. Fedora scrive immediatamente una lettera di denuncia al capo della polizia, mentre organizza un'imboscata per farlo arrestare mentre esce da casa sua.

Ipanoff torna e le racconta la verità sull'omicidio di Vladimir : Vladimir aveva una relazione con la sua propria moglie, lui li ha sorpresi a letto, ha sparato e ha ucciso l'altro uomo. Un delitto d'onore.
Fedora apprende, uno dopo l'altro, che l'omicidio di Vladimir da parte di Loris non aveva nulla a che fare con la politica e, soprattutto, che il suo amato Vladimir le era stato infedele proprio alla vigilia delle nozze. E Loris ne fornisce una prova inconfutabile. Fedora salva Ipanoff dalla trappola prevista e si rende conto allo stesso tempo che, inseguendolo, si è innamorata anche lei di lui.

Atto terzo : Svizzera

La coppia vive felicemente insieme in uno chalet nell'Oberland bernese, ma Fedora apprende da un amico, il diplomatico De Siriex, che Valerian, fratello di Loris, è stato arrestato, imprigionato sulle rive della Neva e annegato in un'inondazione. L'anziana madre soccombe alla notizia della sua morte. Fedora si rende conto che la sua denuncia scritta ha provocato due morti e lacerato la vita del suo amato…
In rapida successione, Loris apprende di essere stato graziato e di poter tornare in Russia per riunirsi alla sua famiglia, ma viene a sapere da un amico che suo fratello e sua madre sono morti a causa della denuncia di una donna che vive a Parigi.
Fedora cerca di alleviare il suo dolore e di scusare questa donna sconosciuta cercando le ragioni del suo gesto, ma Loris deduce presto che la donna in questione è lei. La rifiuta e la maledice, così lei prende il veleno che conservava per sicurezza nella sua croce bizantina.
Loris torna da lei disperato, cerca di chiedere aiuto, ma troppo tardi, Fedora muore tra le sue braccia.

La produzione

Si tratta di un melodramma puro che la messa in scena ha un po' schiacciato, un melodramma che non meritava tale trattamento. Era proprio necessario trasferire la storia ai giorni nostri, trasformando il melodramma in una storia inventata dai servizi segreti russi per “catturare” Loris e accusarlo ?

Tutto inizia con una scena muta, quella dell'assassinio, in cui Vladimir se la spassa a letto con una giovane donna, Loris irrompe, lo ferisce e fugge, poi entrano gli scagnozzi di Putin che premiano la giovane donna nel letto di Vladimir sparandogli a bruciapelo.

L'opera inizia e la scena si allarga all'appartamento di Vladimir, e in fondo ad agenti di polizia che, dietro a schermi televisivi osservano tutto ciò che sta accadendo.
Si aspetta Vladimir e quest’ultimo viene portato, gravemente ferito e presto muore, provocando la disperazione di Fedora, che giura vendetta.
Tutto è stato accuratamente organizzato dai servizi segreti per creare la spirale : Loris accusato, Fedora manipolata per giurare vendetta, e Vladimir allo stesso tempo bastardo (si sposa e si diverte alla vigilia del matrimonio) e vittima perché muore. È chiaro che si vogliono mettere tutti insieme nella stessa barca.

Nel secondo atto, siamo a Parigi, una Parigi festosa (la prima immagine è applaudita dal pubblico, come nei tableaux ben curati) che sembra la stessa Parigi dal Secondo Impero alla Belle Époque e chiaramente alle soglie del XXI secolo, la stessa Parigi delle feste e delle occasioni mondane, Parigi sarà sempre Parigi… In disparte, due donne-apparatchiks (esiste una forma femminile per questa parola ? ) in abito grigio, come i controllori della metropolitana di Mosca o, meglio ancora, le guardie dei musei sovietici, una dei quali fa indossare una parrucca bionda all'altra : sarà la contessa Olga Sukarev, amica di Fedora, in modo che i servizi siano il più possibile vicini all'eroina, e il regista Arnaud Barnard colloca sottilmente l'apparatchik n. 1, sempre in disparte e in piena vista, seduta in un corridoio a osservare l'intera scena. Nel primo atto avevamo schermi e telecamere, nel secondo i buoni vecchi metodi di sorveglianza del KGB. È caricaturale e ridicolo, è inutile e appesantisce una trama già abbastanza pesante.

Nel terzo atto, l'Oberland bernese (la scena dovrebbe svolgersi nello chalet dove la coppia Loris/Fedora si è rifugiata per vivere il loro amore eterno) è diventato il famoso Gataad-Palace, più significativo, e permette di utilizzare la grande scenografia dorata di Johannes Leiacker, uno dei migliori scenografi tedeschi che ha progettato tre atmosfere monumentali, il palazzo di Vladimir a San Pietroburgo, la casa di Fedora a Parigi e Il terzo atto presenta un altro salone, anch'esso monumentale, nel suddetto albergo, dove ci si prepara a festeggiare il Natale con un enorme albero di Natale e tanti regali ai suoi piedi, questa volta con un'illuminazione crepuscolare, come il crepuscolo dell'amore e della storia.

I personaggi sono identificati dai loro costumi, che fanno assomigliare Loris più a un giovane uomo (giacca, maglietta), mentre la principessa Fedora è più classica, indossando un abito scuro (con colori che si intonano all'ambientazione) nel primo atto, un abito da sera in lamé nel secondo, e un tailleur piuttosto inappropriato nel terzo, poco elegante con colori che si intonano ancora all'ambientazione, e muore avvelenata tra le braccia del suo amato vestita cosi…. Quando l'ho vista, ho immaginato di sfuggita in sogno Sarah Bernhardt che moriva in tailleur dopo aver ingerito il veleno nascosto nella sua croce bizantina… Un po’ inappropriato…

Dal punto di vista della recitazione, i movimenti collettivi sono ben regolati, in particolare il coro e i comprimari nel secondo e terzo atto, mentre i movimenti individuali sono più coerenti, lasciando alla coppia di protagonisti la gestione delle proprie scene senza interferire troppo.

Per quanto riguarda il finale, l'apparatchik-donna in grigio si alza dalla sedia (si ha davvero l'impressione di una sorta di guardiano di un museo), la contessa si toglie la parrucca per diventare grigia come l’altra, De Siriex il diplomatico francese anch'egli visibilmente doppiogiochista (diplomatico-complottista…) escono dalla sala, lasciando Loris in preda alla disperazione con la morta che giace : i tre hanno fatto il lavoro, Putin sarà contento…

E tutto per questo ? Putin ha un sacco di soldi da spendere per una storia come questa… ha un sacco di soldi da spendere per catturare Loris che è diventato innocuo come un agnello tra le braccia della sua principessa (a dimostrazione che la politica di fronte all’amore è come Dracula di fronte ad uno spicchio d'aglio)…

Le intenzioni di Arnaud Bernard sono chiare : mostrare in questa storia non la superficie (l'avventura Fedora/Loris), ma lo sfondo politico, sottolineando che la Russia sarà sempre la Russia, con i suoi attentati, i suoi servizi segreti e la sua polizia politica, sia essa zarista, sovietica o putiniana, il che è ciò che tutte le analisi politiche e geopolitiche si prefiggono. Ma al di là di questo, rendendo l'intera storia una messinscena, che cosa aggiunge ?

Se leggiamo Gogol o altri scrittori russi dell'epoca, possiamo facilmente dedurre che la Russia zarista era un'amministrazione pesante al servizio di un meccanismo politico di oppressione che è durato sotto i regimi successivi. La storia di Fedora, lasciata nella sua ambientazione originale (gli anni Ottanta del XIX secolo), avrebbe potuto altrettanto facilmente suggerirlo.

Ma è questo il punto ?

In realtà, non potrebbe importarci di meno di Putin e delle spie, delle incastrature e dei kompromat. Non è questo l'argomento dell'opera. È più interessante guardare a questo genere, il melodramma, con i suoi trucchi, i suoi meccanismi, con questi due personaggi, Fedora e Loris, eccessivi, impulsivi, passionali, e con queste situazioni che ci sembrano assurde : Fedora perde il marito che ama, scopre il suo assassino e lo denuncia immediatamente, per poi scoprire che il marito è il bastardo e l'assassino l'eroe… parafrasando lo scrittore satirico francese Georges Fourest in La négresse blonde, nel suo rifacimento satirico di Le Cid di Corneille

“Dio!”, sospira tra sé e sé la piangente Chimène,
"che bel ragazzo l'assassino di papà !

…Che bel ragazzo l'assassino del marito…

Il secondo atto colpisce per i suoi improvvisi capovolgimenti psicologici (tutti in una sera…): La risposta immediata di Fedora all'amore di Loris, pochi minuti dopo avere scritto alla Polizia per denunciarlo, è un vero e proprio coup de théâtre… Tutta la trama è costruita su queste reazioni immediate dei personaggi : Vladimir è morto, Loris è l'assassino, voglio vendicarmi, Vladimir è un bastardo, Loris è l'eroe, lo amo (ma dimentico di averlo denunciato), poi nel terzo atto provoco due morti (del fratello e della madre) con la mia sciocca iniziativa, lui mi maledice, io mi uccido. Non si tratta certo di uno di quei lunghi monologhi riflessivi alla Wagner o addirittura alla Verdi, ma piuttosto di un'immediatezza di atti e sentimenti, una sorta di performatività permanente che spiega l'assenza di lunghe arie. La più famosa è così breve (amor ti vieta) che viene utilizzata come bis dai tenori nei loro recital.
Non si tratta di un'opera di meditazione o di interiorità, e i personaggi reagiscono sempre su due piedi ; questo aspetto avrebbe potuto essere interessante da esplorare. Ma evidentemente Arnaud Bernard non era interessato, preferendo Putin.

Perché Fedora non è un thriller, un romanzo noir o un romanzo di spionaggio. Tutto ciò non è che il contesto di una storia melodrammatica tra due personaggi, ed è questo il senso dell'opera e della musica : tanto che il primo atto è musicalmente povero, piuttosto noioso, e un mero allestimento drammaturgico. Tutto inizia nel secondo atto. La vera opera dura solo due atti su tre…

Per questo il paragone con Tosca, perché scritta dallo stesso Victorien Sardou e originariamente interpretata dalla stessa Sarah Bernhardt, ci sembra azzardato, perché in Tosca i tre atti hanno una drammaturgia forte, potente, vibrante e sono fortemente legati tra loro, come episodi di una tragedia. Non è il caso qui.

La verità è che Fedora è un'opera piuttosto minore, musicalmente irregolare, che richiede alcuni ingredienti seri per prendere vita. A mio parere, dovrebbe essere trattata come tale, senza toccarla, nel suo stato originale. Ci sono opere che non hanno bisogno di essere sovra-interpretate, trasposte o sottoposte alla mano pesante di un regista (a meno che non se ne impossessi un genio della regia, ma dato il valore drammaturgico dell'opera, sarebbe Much ado about nothing).

In fondo, con i suoi tre ambienti, i suoi costumi d'epoca, i suoi abiti lunghi, i suoi gioielli, i suoi frac, le sue uniformi ecc… Fedora ha un sapore d'epoca che serve all'opera molto più di qualsiasi trasposizione e che aiuta lo spettatore a calarsi nella storia. È altrettanto chiaro nell'allestimento ginevrino : a parte le parrucche e le spie russe in uniforme grigia, è il secondo atto che funziona meglio perché Arnaud Bernard lo tratta come una sorta di festa parigina “eterna” e senza età, Il Grand-Théâtre ha portato un vero creatore e un vero artista (direttore d’orchestra ed altro) nel ruolo del pianista Lazinsky, David Greilshammer, qui travestito da sostituto di Liszt, che avrebbe potuto tranquillamente prendere il suo posto nella Parigi del fine Ottocento…

È proprio questo aspetto atemporale dell'atto che lo fa funzionare meglio, con una musica che, va sottolineato, è molto più elaborata rispetto al primo atto.

Il terzo atto, con la sua atmosfera da “Natale si prepara a Gstaad” e i suoi inutili movimenti di comprimari, non convince e contribuisce ad attenuare la potenza (melodrammatica) dei momenti finali, che sono, per loro natura estrema, pianti, gemiti e lacrime, una sorta di concentrato del genere melodrammatico nell'opera lirica e che richiedono una gestione scenica molto serrata per non sprofondare nell'eccesso e nel ridicolo.

La messa in scena di Arnaud Bernard quindi non serve quest'opera (che non è così facile da servire, è vero), la trasforma e la decontestualizza inutilmente, appesantisce una trama già piuttosto densa… nonostante alcuni momenti ben riusciti (il secondo atto) perché questo regista ha tecnica. Sarebbe stato più semplice lasciare l'opera nella sua ambientazione un po' nostalgica, vagamente profumata di cose passate…

Aspetti musicali

Dal punto di vista musicale, si tratta di un'opera irregolare. Il primo atto è marcatamente povero sotto ogni aspetto. Il secondo atto, invece, è senza dubbio il più ricco dal punto di vista musicale : c'è una forte parte corale, che serve all'aspetto spettacolare, ma anche sorprendenti variazioni nel tessuto sonoro, in particolare il gioco dell'accompagnamento pianistico nell’atto secondo, e le schiarite dell'orchestra, che sono momenti singolari di invenzione melodica inaspettata. È anche qui che si ascoltano alcune delle “arie” dell’opera, in particolare la celebre amor ti vieta, che diventerà l'inno d'amore della coppia.

Giordano non è un compositore mediocre, ma questa musica manca di continuità, di un certo spessore : è difficile ricordare i momenti, è difficile seguire una vera linea. Ho parlato prima di personaggi “performativi” che si definiscono con atti singolari che sembrano non riflessivi, esclusivamente immediati, e questa musica sembra procedere su questa linea, seguendo i capricci della conversazione, dei momenti, senza mai radicarsi, non mancando a volte di tecnica o di invenzione, ma piuttosto di profondità. È molto lontano da Puccini, che era così attento ai tempi, agli sviluppi musicali e alle innovazioni : basta immergersi ne La Fanciulla del West o in Turandot per rimanere affascinati da tutto ciò che Puccini osserva e da ciò che ci fa ascoltare. Qualche decennio fa, Puccini era comunemente equiparato al verismo, ma oggi non è più così, anche se i confini del verismo restano labili : uno Zandonai non è verismo (che scrittura… che colori, anche Debussiani) eppure viene talvolta descritto come tale… Come se, in Italia, tutta la musica di questo periodo fosse verismo (a parte Puccini, secondo la maggior parte degli analisti di oggi).

Grazie alle riflessioni di Antonino Fogliani, il programma di sala fa il punto su questo e sui compositori del periodo, estendendolo anche alla delicata questione dei legami tra alcuni compositori (Mascagni in particolare) e il fascismo. Per quanto mi riguarda, anche se il verismo è un movimento musicale forte nell'opera (Leoncavallo, Mascagni, Giordano…), poche opere sopravvivono nei repertori odierni, tranne che in Italia. In compenso, è stato un vero e proprio grande movimento letterario, paragonabile in Francia a Emile Zola…

In musica, è un movimento dominato dall'esecuzione “sul momento” (che può essere intensamente piacevole, che può suscitare immense emozioni, come la Santuzza in Cavalleria Rusticana), che lascia poche tracce “intellettuali” o sensibili a posteriori come le possono lasciare opere di Verdi e Puccini, ma che è allo stesso tempo autentica musica popolare, forse la più popolare dell'opera italiana.

Antonino Fogliani se ne è fatto carico con la consueta capacità di sostenere i cantanti e il palcoscenico, di rendere chiara la partitura, di curarne la precisione e i colori, di rispettare il ritmo scenico : non trasforma questa musica in un diamante del repertorio, ma tiene insieme il tutto con la sua abilità e solidità, alla guida di un'Orchestre de la Suisse Romande sulla stessa lunghezza d'onda senza problemi tecnici. Fogliani è uno di quei (rari) direttori che possono garantire un'esecuzione pulita, meticolosa, rispettosa, e che sa tirare fuori il meglio dalle partiture, nei più svariati colori del repertorio operistico italiano, senza mai venir meno, sempre puntuale, con solidità e, per di più, sempre con modestia.

Il coro del Grand Théâtre, come sempre ben preparato da Mark Biggins, ha una forte presenza nel secondo atto, dove riempie anche il palcoscenico con movimenti vivaci e ben regolati (è una delle qualità di Arnaud Bernard quella di far muovere le masse) e merita il successo che ha ottenuto.

Il cast

Si tratta di un'opera pesante, con molti ruoli di supporto, ed è uno dei punti di forza del Grand Théâtre de Genève che, grazie al “Jeune Ensemble” ma non solo, riesce sempre ad mettere insieme solidi ruoli di supporto. I “piccoli” ruoli che sono mal interpretati spesso compromettono seriamente una produzione. I piccoli ruoli nell'opera lirica sono come le scarpe da uomo : le buone scarpe rendono bello qualsiasi capo, le cattive scarpe uccidono qualsiasi capo, anche del più grande stilista.

E così, a parte l'eccellente David Greilshammer, la cui composizione (silenziosa ma tattile) di un pianista malandato alla Liszt abbiamo citato in precedenza, tutti i cantanti interpretano i loro ruoli in modo solido, se non addirittura con emozione per la voce infantile di Laura Popa-Oprea, Sebbene la voce di Laura Popa-Oprea accompagni il III atto (una bella idea di Giordano, che fa da contrappunto leggero e poetico a un finale piuttosto segnato dall'eccesso), citiamo tutti i partecipanti, che sono impeccabili, Céline Kot (Dimitri), David Webb (Désiré), Rodrigo Garcia (Nicola), Georgi Sredkov (Sergio), Igor Gnidil (Boroff), Louis Zaitoun (Barone Rouvel), Vladimir Kazakov (Cirillo) e Sebastià Peris (Loreck, il chirurgo).

Yuliia Zasimova, membro del Jeune Ensemble, era la contessa Sukarev, amica e spia (in questa produzione), che avevamo già notato come Servilia ne La Clemenza di Tito. Qui ritroviamo la stessa freschezza e precisione vocale, con una vera personalità scenica. Una cantante da seguire.

Mark Kurmanbayev, altro membro del Jeune Ensemble, è Gretch, l'inquietante ispettore di polizia, con una potente voce di basso, un timbro caldo e una dizione chiara : una voce già consolidata molto interessante.

Nel ruolo di De Siriex, Simone Del Savio è particolarmente espressivo, con un fraseggio impeccabile e una reale solidità. Il personaggio, che si rivela anche una spia, avrebbe forse potuto essere ancora più doppiogiochista, ma l'insieme è ben piantato, la voce proiettata senza scorie e il canto molto naturale.

Ma, come abbiamo già scritto, Fedora è un'opera per divi e può funzionare solo nei due ruoli principali con indiscusse stelle.
Questo non tanto per la difficoltà del canto, perché questi due ruoli sono spesso interpretati al crepuscolo della carriera : sono la linea, il timbro e lo stile che contano, perché il registro è piuttosto centrale, non richiedendo troppo il registro superiore, soprattutto per il tenore.
Per il soprano contano la varietà dei colori, la qualità dell'emissione, la cura delle mezzevoci e soprattutto l'espressività. Sono ruoli fatti per artisti abituati a lavorare con l'espressione, scultori piuttosto che alpinisti, e che non devono preoccuparsi per i loro acuti. Ad esempio, Placido Domingo e Mirella Freni hanno affrontato Loris e Fedora solo nel 1993.
Non è pero una legge scritta nella pietra : da quando Enrico Caruso iniziò la sua carriera come Loris, era anche una garanzia per il giovane tenore che non avrebbe corso troppi rischi…

La posta in gioco è quindi l'espressione, il colore e la personalità. Per Fedora, l'esigenza è duplice : da un lato consumarsi fino a fondo come personaggio, far esplodere il teatro, dall'altro avere nella voce un colore forse un po' scuro, o portare in un certo senso il dramma sulle labbra, come lo fece nel repertorio verista una Magda Olivero, Adriana Lecouvreur per l'eternità e Fedora immortale.

Roberto Alagna e Aleksandra Kurzac sono stati un vero regalo per Ginevra.

Ascoltando Roberto Alagna, si rimane sempre stupiti dalle qualità sorprendenti del suo contatto diretto con il pubblico e dall'immediata simpatia che la sua generosità sul palcoscenico e nella musica irradia : l'uomo dà il massimo ed è così bello ascoltarlo perché fa davvero sorridere di piacere e di gioia. Il cantante conserva quel timbro soave, quel colore solare che lo rende così singolare nel panorama dei tenori di oggi, e soprattutto, sia che canti in francese sia, come in questo caso, in italiano, fa sentire ogni parola, ogni sillaba, con una chiarezza incredibile : una pronuncia attenta, una preoccupazione per la chiarezza, una dizione impeccabile, cesellata, luminosa. Questo è Alagna, ed è per questo che lo amiamo. Se mi è concesso un grande ricordo, Roberto Alagna sarà sempre per me quel giovane Gabriele Adorno nel Simon Boccanegra a Salisburgo con Abbado in buca, che nell'allestimento di Peter Stein entrava in scena correndo intorno all'immenso palcoscenico : che energia, che giovinezza quasi eterna ! Quell'immagine non mi ha mai abbandonato… e la penso ogni volta che lo vedo in scena…

Tuttavia, non per colpa sua, non sono sicuro che il ruolo di Loris sia adatto a lui, o a questo personaggio così generoso e così “offerto”. Loris è forse un personaggio più mordace : aristocratico, certo, ma accarezzato da idee anarchiche, in esilio, separato dalla famiglia e tradito dalla moglie, è tutt'altro che un personaggio solare. Ma Fedora fa emergere la luce di questo lato ombroso. Questo lato che fa parte del carattere di Loris qui non si trova, perché Alagna è appunto troppo luminoso nei toni e nei colori. Si tratta ovviamente di una lettura “psicologica” piuttosto che puramente “critica”, ma c'è una sorta di divario tra il Loris del racconto, con la carica psicologica che può portare, e questo Loris, dove la scelta di un Loris piuttosto giovanile nella messa in scena non aiuta molto. Loris non è un ragazzo, ma un uomo ancora giovane che ha già una storia, ha una maturità che qui non traspare.

Aleksandra Kurzak e Alagna formano una vera e propria coppia sul palco, e si vede la loro complicità, due esseri che si offrono l'uno all'altro. Lo si sente, ed è piuttosto commovente. Per lei si tratta di un ruolo che affronta per la prima volta con grande cura a tutti i livelli, cura nel colore, cura nel lavoro sul controllo vocale, con acuti trionfali, ma anche mezzevoci, vere e proprie sfumature che dimostrano sia una tecnica molto solida sia la volontà di tirare fuori un personaggio, di profilarlo vocalmente in un ruolo particolarmente difficile per i motivi sviluppati sopra. Come ho scritto, non è un ruolo in cui le difficoltà vocali da affrontare sono insormontabili, è un ruolo che si può affrontare a fine carriera, ma è un ruolo che, per quanto riguarda l'interpretazione, è sempre sul filo del rasoio e può cadere nel melodramma più caricaturale (Licia Albanese…), per cui deve giocare tra un certo ritegno e una certa passione. Fedora è impulsiva : passa dall'odio e dalla vendetta all'amore in pochi secondi (atto II), sta per sposare un bastardo (Vladimir) accecato dalla passione e quindi incapace di leggere le anime, e scrive la sua lettera di denuncia sotto l'influenza dei suoi impulsi, senza misurarne minimamente le conseguenze. Poi si getta tra le braccia di Loris, dimenticando ciò che ha fatto pochi minuti prima. Tutto il terzo atto è giocato sulle variazioni passionali di lei, prima follemente innamorata, poi follemente disperata quando apprende le conseguenze della sua lettera e vede Loris altrettanto sconvolto dal dolore e dalla sete di vendetta – la danza melodrammatica degli sconvolgimznti. Tutto questo è ovviamente teatrale nel senso peggiorativo del termine, eccessivo, ma allo stesso tempo deve guardarsi da una certa ridicolaggine che l'eccesso della situazione stessa può portare. E in questa complessa interpretazione, Alexandra Kurzak offre qualità vocali reali, una voce davvero sicura e tecnicamente magistrale, ma non riesce, almeno per il momento, a imporre un personaggio… Il canto, per quanto dominato, non trasmette il dramma, o almeno non lo fa vivere o vibrare. Canta Fedora (molto bene), ma non è Fedora, non la fa apparire come una forza interiore imperiosa e non ci crediamo davvero. Anche in questo caso, la messa in scena e i costumi (il ridicolo tailleur nel terzo atto) non aiutano, ma comunque si tratta di un ruolo che ha tempo di approfondire.

In conclusione, questa Fedora è come gli alberi di Natale e gli orpelli, scintillante e luminosa, con un magnifico doppio regalo di Babbo Natale sotto forma di Alagna e Kurzac. Ma una volta finite le feste, ci saremo divertiti, ma non resterà molto di un'opera secondaria, poco emozionante, che per lo spazio di un Natale ci avrà messo le stelle negli occhi, ma presto si spegneranno, forse per un altro secolo ?