Norma est seule. Et Norma a toujours été seule. Norma est seule comme la lune dans le ciel. Norma est seule : son regard, souvent perdu dans le vide, suffit à le suggérer. Ce vide qui existe, infranchissable, sur la scène du Sferisterio, l'un des espaces de représentation les plus évocateurs au monde. Le haut mur du fond (qui constitue déjà en soi une scénographie) est l'élément qui est pleinement utilisé comme décor évocateur, avec une grande lune suspendue.

Sur la scène, seuls quatre praticables (escaliers menant à un parapet) sont mis en évidence pour simuler plusieurs pièces : la scénographie de Studio Bonet Arquitectes est essentielle et très évocatrice. Les costumes de Nicoletta Ceccolini se chargent de rappeler (vaguement) l'époque de l’œuvre, en donnant à la protagoniste d'abord le caractère sacré du blanc, puis la passion du rouge, laissant à Adalgisa un orange intermédiaire, comme si les deux statuts de Norma (prêtresse et amante) étaient mélangés dans Adalgisa. Les lumières de Peter van Praet ne sont pas seulement destinées à éclairer les scènes et les chanteurs mais jouent un rôle prépondérant : il suffit de mentionner les trois cercles sur scène pendant le trio du premier acte avec chaque interprète " emprisonné " dans son propre espace.

La partie technique est complétée par les vidéos de Lois Patinho, interventions minimales au début des deux actes : une cascade d'eau sur le mur de briques qui change de couleur, du blanc et transparent à l'arc-en-ciel, une surface sur laquelle les silhouettes des enfants de Norma se dessinent sur le côté ; puis à nouveau la projection intense d'un visage de femme qui semble s'éloigner lentement en traînées floues.

Norma est une œuvre qui se prête à un double niveau de lecture : l'histoire d'amour entre Norma et Pollione (et Adalgisa) et l'histoire politique avec la rébellion des Gaulois contre l'occupant romain. La metteuse en scène Maria Mauti choisit de ne mettre l'accent que sur le premier aspect et c'est une décision, au vu du résultat, que l'on peut totalement partager. Norma est seule, a‑t‑on dit. En tant que prêtresse, elle est intouchable, hiératique. En tant que femme, il n'y a pas de geste de proximité affective avec Pollione, désormais amoureux d'une autre (mais Norma ne le sait pas encore). En tant que mère, la caresse envers ses enfants est empêchée par la nécessité de garder leur existence secrète. La seule étreinte est celle avec Adalgisa, au moment où leurs cœurs perçoivent qu'ils vivent la même expérience (et les deux chanteuses font les mêmes gestes, un moment de grande émotion) : ce n'est qu'alors qu'elles découvrent que le quid qui les unit n'est pas le fait de tomber amoureuse du même homme, mais plutôt la solitude. Les gestes, disions-nous : la metteuse en scène apporte le plus grand soin aux gestes et à l'expressivité, qui sortent du stéréotype et sont mis en valeur dans une conception qui limite les mouvements des masses à ce qui est fonctionnel pour le chant et la narration de l'intrigue. Les masses sont le chœur et les danseurs, qui sont parfaitement utilisés avec des citations intéressantes : la forêt sacrée, confiée aux branches mues par les femmes du chœur, rappelle la forêt mouvante de la mémoire shakespearienne ; dans la reprise de Casta Diva, la lune semble se refléter sur une immense draperie qui se balance, mue par les danseurs. Parmi les moments les plus évocateurs, le duo de l'acte II que Norma et Pollione chantent l'un contre l'autre : ils se touchent mais s'opposent et regardent dans deux directions différentes. Ou encore le début de l'acte II, avec les cris de désespoir de Norma dans les coulisses. Ou encore la présence des enfants tout au long de la pièce, spectateurs muets des événements impliquant leurs parents : du début (silhouettes contre la cascade), au premier acte (dans une scène latérale tenant deux projecteurs de lumière), au deuxième acte (sur scène, avec Clotilde qui leur lit un livre dans le confort d'une petite pièce), jusqu'au final où ils regardent leurs parents monter non pas vers le bûcher mais vers la lune sur deux escaliers distincts. Bref, dans un spectacle essentiel et raffiné, le metteur en scène parvient à donner tout son relief à une tragédie qui se consume dans le chant et la déclamation, confiée à une excellente distribution.

Le rôle-titre a été interprété par Marta Torbidoni, qui exprime bien la tradition et les valeurs du chant à l'italienne, basé sur la technique et le contrôle de l'émission, mais aussi sur les mezze voci, les accents et le phrasé : sa Norma a une voix exquisément lyrique et ne conquiert pas par hasard surtout dans la deuxième partie, quand elle exprime les tons de désarroi et d'abandon (comme dans les "teneri figli" imprégnés de douceur mélancolique et dans le deuxième duo avec Adalgisa) ; on apprécie l'intelligence de l'interprète qui chante avec sa propre voix sans exagérer les notes graves et aiguës pour obtenir un effet de facilité. Adalgisa nous semble particulièrement convenir à Roberta Mantegna dans cette version pour deux sopranos que, il faut le dire, l'auteur préfère à d'autres, compte tenu de son idéal de représenter la jeune prêtresse rivale avec une voix jeune : Mantegna a un chant poli d'une perfection néoclassique teintée d'une douceur veloutée. Antonio Poli est un jeune Pollione, parfois même un peu indécis (pas l'habituel condottiere romain viril et fier), mais il est parfaitement en phase avec les choix de la mise en scène ; après une prudence initiale, le ténor démontre une voix puissante, aux aigus fermes, et riche en communication comme le veut une certaine tradition. Bravo à Riccardo Fassi, qui donne à un sombre Oroveso l'autorité scénique et le poids vocal adéquat. Le sympathique Flavio de Paolo Antognetti et la Clotilde participative de Carlotta Vichi complètent de manière adéquate l'excellente distribution.

Fabrizio Maria Carminati assure une direction vigoureuse et incisive, visant à mettre en valeur les couleurs et les épaisseurs de l'Orchestra Filarmonica Marchigiana avec un sens aigu du clair-obscur et en respectant le timing du chant. Sa lecture, en parfaite adéquation avec la représentation scénique, est plus romantique que néoclassique et semble donc plus proche de Verdi que des traits stylistiques expressifs de Bellini, mais elle a l'avantage d'être captivante et adaptée au contexte de la mise en scène. Un éloge au Coro Lirico Marchigiano préparé par Martino Faggiani en parfaite harmonie avec les solistes et l'orchestre, avec la Banda Salvadei également sur scène.

Prochaines représentations. Dimanche 4 août 2024 à 21 heures, vendredi 9 août 2024 à 21 heures.