Le Festival Verdi 2024 a proposé une nouvelle mise en scène du Ballo in maschera, conçue pour le Teatro Giuseppe Verdi de Busseto et coproduite avec le Teatro Comunale de Bologne et la Fondazione Rete Lirica delle Marche (Teatro della Fortuna de Fano, Teatro dell'Aquila de Fermo, Teatro Ventidio Basso d'Ascoli Piceno). Daniele Menghini relit l'opéra de manière très personnelle avec une clé d'interprétation qui connote de manière décisive la mise en scène : le protagoniste est « un souverain extravagant, un despote éclairé ». « Poète, dramaturge, homme de lettres, amoureux du théâtre, de l'opéra et des arts, assassiné peut-être parce qu'il était trop libre. Voilà ce qui peut arriver lorsqu'un artiste monte sur le trône et porte la couronne. Riccardo est un homme libre qui vit constamment au bord de l'excès. En dehors de la règle. Il vit le pouvoir comme une subversion de l'ordre, l'amour comme une recherche de la limite, la vie comme une tension vers la fin ».
Pendant l’ouverture, un ballon passe sur le proscenium, de gauche à droite, puis se gonfle avec un bruit sec : existence légère, donc, flottant dans l'air comme un ballon, vie qui s'écoule en un instant, qui s'achève soudainement et sans prévenir. Le décor fixe de Davide Signorini est une boîte de planches verticales dorées avec des marques noirâtres qui suggèrent un incendie récent ; à droite, quelques marches dans le style d'une agora ou d'un petit parlement, d'un tribunal provincial, tandis qu'à gauche, un trône sur un haut podium qui devient ensuite, pour les besoins du livret, un tombeau/une porte vers les enfers et à nouveau un trône recouvert de crânes. Les costumes riches et élaborés de Nika Campisi sont historiques, respectant globalement l'époque du compositeur, et sont complétés par un maquillage lourd. Les lumières de Gianni Bertoli jouent un rôle essentiel dans la création des atmosphères souhaitées par le metteur en scène, qui poursuit les lignes d'interprétation mentionnées plus haut, peut-être pas toujours complètement en phase avec l'intrigue et le texte, mais toujours capables de convaincre le spectateur et de le captiver visuellement.
Le rideau s'ouvre et nous sommes déjà dans une fête de cour lascive, les signes de la mort sont constants tout au long de la représentation : la mascarade des pirates pour la farce faite à Ulrica, Riccardo et Amelia se couvrant le visage de céruse alors qu'ils se jurent éternel amour, un long squelette sur les chaises (presque une « calamité cosmique ») portant un chapeau de carnaval conique, les chérubins suspendus au plafond et se transformant de messagers de l'amour en emblèmes de la mort, les crânes recouvrant le trône pendant le bal masqué où les vêtements sont les mêmes qu'au début, fermant un cercle dont la seule issue est la mort. Le caractère éphémère de l'existence qui semble durer un instant, qui comme un ballon peut nous échapper des mains ou éclater soudainement. Et si la vie devient alors un équilibre au-dessus de l'abîme, qu'elle soit une fête, même si les signes mortifères sont toujours présents, même sur scène, pour nous rappeler le caractère éphémère de tout.
Quant au profil musical, Fabio Biondi inhabituel dans ce répertoire choisit un ton doux, qui favorise le chant et privilégie les tonalités élégiaques qui, apparemment, ne contrastent pas avec la mise en scène ; une direction plus juvénile qu'introspective, qui ne s'attarde pas sur le côté nocturne de la partition.
Giovanni Sala est un personnage à part entière, toujours masqué, un Riccardo qui domine la scène et sur lequel repose tout le discours de la mise en scène : les yeux fiévreux, le regard craintif, un homme (avant d'être gouverneur) dépassé par les événements et incapable de s'y opposer ; le ténor a un chant spontané et riche en harmoniques, il affiche un phrasé raffiné, sûr musicalement et capable de rendre son personnage théâtral dans la plénitude de sa vocalité. Caterina Marchesini est Amelia, ongles rouge feu et robe rigoureuse ; sa voix est pleine, bien timbrée, stable tout au long de l'opéra ; l'émission est contrôlée et attentive à rendre les replis les plus intimes d'un personnage que la mise en scène pourrait avoir tendance à éclipser. Lodovico Filippo Ravizza est Renato, à tout moment l'opposé de Riccardo, à tel point qu'il apparaît en costume-cravate, aussi austère et mesuré que l'autre est excessif ; mais, si les opposés s'attirent, leur lien est très fort, physique dans cette caresse des mains dans leur duo de l'Acte I ; le baryton est vocalement mûr et maître du rôle.
Danbi Lee est l'inquiétante Ulrica, toujours suspendue entre un mode et un autre, un lien avec cet abîme au-dessus duquel ils se balancent tous avant de tomber soudainement ; vocalement, c'est une Ulrica dans la meilleure tradition, avec une voix puissante mais posée et un registre inférieur texturé, que l'interprète a l'intelligence de ne pas souligner inutilement.
Licia Piermatteo est une éblouissante et souriante Oscar, la seule à ne pas comprendre le caractère éphémère de la vie : Oscar est exubérant et vif, insensible à la douleur et à l'angoisse qui tourmentent Riccardo, jamais sombre même lorsqu'il voit le drame dans la pièce, pensant qu'il s'agit d'un aspect ludique ou passager avec sa voix timbrée et sonnante. Dans les autres rôles Giuseppe Todisco (Silvano), Agostino Subacchi (Samuel) et Lorenzo Barbieri (Tom). La distribution était complétée par Francesco Congiu dans le double rôle d'un juge et d'un serviteur d'Amelia, ce dernier étant habillé en rappeur contemporain pour mélanger les temps et les époques. La prestation du chœur du Teatro Regio di Parma, préparé par Martino Faggiani, a été remarquable.
