È difficile prevedere la stretta alternanza di tre diverse produzioni che si alternano per tre serate consecutive in un teatro abituato al sistema "stagione", il che richiede un notevole sforzo aggiuntivo in termini di personale tecnico e logistico ; come Lione per il Festival, Parma si limita a due produzioni in sala e il resto fuori sede, a Busseto da un lato per le produzioni "giovanili", e altrove a Parma dall'altro.
La disponibilità del Teatro Farnese per tre anni ha permesso di utilizzare questo affascinante luogo – che era spazio per intrattenimento di corte più che teatro vero e proprio – per produzioni sperimentali fuori dall'ordinario e soprattutto che non richiedevano scenografie o modifiche troppo pesanti. Le Trouvère, nella regia di Robert Wilson l’anno scorso, con il suo impianto fisso su tela e i suoi set di luci, è stato una soluzione piuttosto ideale. Il tutto pero con un'acustica difficile, dove il suono si perdeva in echi lontani nel vasto spazio. Ma l'esperienza del Teatro Farnese è così forte da far dimenticare i problemi.
Poiché il Teatro Farnese è tornato ad essere un patrimonio museale intangibile, gli organizzatori del Festival hanno dovuto trovare una altra soluzione.
Per una felice coincidenza (o un miracolo), Parma aveva a disposizione un'immensa chiesa, San Francesco del Prato, sconsacrata dai tempi di Napoleone che ne fece una prigione e poi abbandonata, che un consorzio decise di restaurare : questo è lo spazio originale che è stato trovato, permettendo oltre a richiamare l'attenzione sul luogo e forse anche qualche finanziamento aggiuntivo per il restauro. Se ho capito bene, la Chiesa sarebbe interessata a riprendere il suo bene per riportarlo alla sua originaria funzione religiosa. Ma perché non affidare ad un architetto un po' originale il compito di trasformare questa chiesa in uno spazio culturale per vari eventi ?
Allo stato attuale, è impossibile vedere la chiesa, poiché è coperta da cima a fondo con impalcature metalliche, tagliando l'elevazione dell'edificio, ma anche il suono, dando all'insieme uno strano aspetto. Forse un regista più originale di Dodin avrebbe potuto farne qualcosa.

È l’abside che serve da palcoscenico, un palcoscenico fisso, in uno spazio che non consente alcun movimento di massa : il coro è posto nell'impalcatura che circonda il tutto.
Così, la disposizione stessa del palcoscenico impedisce grandi movimenti e impone in qualche modo "piani fissi".
La lunghezza della navata centrale è anche un ostacolo alla buona visione, al buon udito e alla visione dettagliata della recitazione. Solo gli spettatori nelle prime file (forse) potrebbero avere questo privilegio.
Così, allo stato attuale, il luogo scelto, che ha il suo fascino, non è esattamente ciò che è appropriato per un'opera lirica. Il Teatro Farnese aveva i suoi difetti acustici, ma almeno l'occhio affascinato poteva perdersi nel monumento. Qui l'occhio si perde nei tubi.
Non si può negare la difficoltà dell'impresa. Per un'opera come Luisa Miller, che è un dramma borghese e non epico, lo spazio può non essere appropriato, perché non mancano i momenti intimi, e le sue raffinatezze orchestrali mal si adattano a tale spazio. La musica suona lontana, i personaggi molto piccoli e la visione d'insieme è certamente garantita, ma difficilmente il dettaglio. Il rapporto sala-palcoscenico è forse poco adatto alla produzione o semplicemente poco adatto al genere "opera".
Così la messa in scena di Lev Dodin difficilmente poteva uscire dallo spazio limitato che gli è stato assegnato, ma bisogna anche riconoscere che non sta accadendo molto, dato che i cantanti sono in gran parte lasciati a loro stessi.
È anche difficile comprendere la divisione della serata delle due parti, una di 1h45 e l'altra di circa 30 minuti. Ci rendiamo conto che si tratta di un modo di valorizzare l'ultimo atto, concepito come una cerimonia funebre con al centro il tavolo nuziale, che viene allestito con un set di candele piuttosto riuscito, e il matrimonio diventa un pasto funebre, dove Rodolfo versa il vino avvelenato a tutti cosicché alla fine tutti muoiono intorno alla coppia Rodolfo/Luisa. È senza dubbio il momento più riuscito della serata, molto ritualizzato, in un certo senso sacro, dove non ci sono né vincitori né vinti, gli amanti che trascinano tutti nella morte, senza che ci sia una lezione finale per i padri rimasti in vita come in Romeo e Giulietta. Per compensare i vincoli, Lev Dodin lavora sull'illuminazione (di Damir Ismagilov), bianco per Luisa (innocenza), rosso per la Duchessa Federica, blu scuro per il male (il suo mondo è tradizionalmente la notte) e sottolinea lo status dei personaggi con costumi (scene e costumi di Aleksandr Borovskij) coloratissimi (Duchessa) o brillanti (Rodolfo), il nero è riservato a Wurm, e bianco per Luisa, mentre i padri sono vestiti con colori vicini, anche se i loro costumi evidenziano la differenza di status sociale.

Lev Dodin ha lasciato negli anni Novanta produzioni abbastanza interessanti, anche significative, soprattutto in teatro, per farci sperare qualcosa di più inventivo e meno astratto. Il lavoro sull'attore e la recitazione sono inesistenti, rimane solo il gioco sul tavolo centrale, dove Luisa rimane fissa come una statua Mariale per quasi tutta la prima parte, permettendo di giocare su due livelli : i cantanti cantano sul tavolo come su un podio e si crea così una piccola varietà nell'uso di uno spazio dove i movimenti rimangono per forza di cose limitati.
L'impalcatura metallica dona a tutto il luogo uno strano profumo, e crea sorpresa : all'ingresso si aspetta l'elevazione di una chiesa, e ci si ritrova in mezzo a tubi metallici ; ci si può rammaricare che il regista non ne abbia tenuto conto un po' di più, con l'illuminazione o con qualsiasi altro mezzo, in questa situazione. Il luogo e la sua ambientazione sono una tale sfida per i registi che ci vorrebbe un  un genio per superarla .
Non è così, bisogna accontentarsi di questo spettacolo insoddisfacente, dove Lev Dodin non ha raccolto la sfida.

Musicalmente, le cose vanno meglio.
Innanzitutto, la direzione di Roberto Abbado mantiene ad alto livello l'orchestra del Teatro Comunale di Bologna, che condivide le produzioni con la Filarmonica Toscanini e mostra una raffinatezza ed eleganza che fanno contrasto con questi tubi metallici che danno un'idea di rudezza fredda. Roberto Abbado ha saputo cogliere lo spirito dell'opera, il suo lato lirico e anche intimo, dando la precedenza ad un disegno che si adatta bene a questa messa in scena che ne riduce gli aspetti drammatici. È forse dalla parte della tensione drammatica che la sua direzione in certi momenti pecca un po', ma l'acustica e la messa in scena non aiutano e riducono significativamente l’impatto drammatico. In contrasto, nella bellissima sinfonia, le prime battute sono vibranti, sospese, indicano immediatamente un'atmosfera, e qui è molto presente la forza drammatica, con un'orchestra dove i fiati sono esaltati (oboe e clarinetto così importanti anche nelle prime scene). Roberto Abbado ha prestato particolare attenzione alla chiarezza, alla limpidità del suono, in un luogo dall'acustica problematica, rendendo piena giustizia all'edizione critica di Jeffrey Kallberg e ottenendo un successo marcato e pienamente giustificato.

Il coro del Teatro Comunale di Bologna, molto coinvolto, è collocato in modo fisso nei corridoi laterali creati dalle impalcature dell’abside per mancanza di spazio. ma compensa con l'energia vocale e l'intensità la recitazione che gli è vietata.

Nel cast, siamo rimasti un po’ sorpresi dalla mancanza di proiezione di Renato Zanellato, Conte di Walter in forma piccola e non proiettando bene una voce solitamente così imponente. Il Wurm (un nome predestinato al ruolo che significa “verme” in tedesco) di Gabriele Sagona è di una freddezza relativamente misurata, abbastanza distinta, senza essere il cattivo caricaturale dell’opera che vediamo spesso nei teatri, ma la distanza, la natura del luogo impediscono al personaggio di imporsi, anche se la prestazione rimane di tutto rispetto.
Martina Belli è una Federica con uno stile cantato elegante, più che energico, ma con una forte presenza scenica.

È dalla parte dei tre protagonisti, Miller, Luisa e Rodolfo che troviamo senza dubbio le maggiori soddisfazioni : Franco Vassallo, che ottiene il maggior successo della serata, non ha un timbro così attraente, ma l'espressività e l'impegno sono tali da convincere tutti : con lui il teatro entra davvero in scena, la sua personalità vocale colpisce e si impone senza difficoltà. Il suo modo di fraseggiare, da solo, da al personaggio una verità abbagliante. Bella scienza del canto.
Francesca Dotto, che ha sostituito Angela Meade, inizialmente annunciata, ne esce con tutti gli onori, grazie ad un canto raffinato ed espressivo, con fraseggi esemplari e una bella solidità vocale, anche se appare tenera e fragile.
Amadi Lagha in Rodolfo è forse la scoperta della serata, con una voce chiara e un timbro luminoso che suonano perfettamente nella vasta navata : ha il colore del tenore lirico belcantista, con un controllo impeccabile e un  stile già dominato, oltre che un vero  impegno. Ecco un nome da seguire attentamente.
Una serata all’esito contrastato, più interessante dal punto di vista musicale che scenico. Gli organizzatori devono pensare alla destinazione di questo luogo e al suo uso, che è difficile da adattare a uno spettacolo lirico.