In un solo giorno abbiamo avuto il privilegio di ascoltare la prima e l'ultima opera di Rossini, o quasi, in quanto La Cambiale de Matrimonio è la prima opera che ha visto la luce in teatro, ma non la prima composizione (è Demetrio e Polibio nel 1806), e la Petite Messe Solennelle ha avuto una seconda versione per orchestra nel 1867 mentre la versione originale che abbiamo sentito risale al 1863.

Ci si chiede se il titolo Petite Messe Solennelle quasi ossimorico non abbia influenzato il destino di questa composizione. “Petite Messe” non sembra un’espressione seria, suona come un esercizio di stile. “Petit” in francese, suona gentile ma non serio, quasi infantile,. La parola solenne invece appartiene a un campo semantico inverso che si riferisce alla cerimonia, all'omaggio. È chiaro che Rossini ha lavorato abilmente sul suo titolo per dare un po' di mistero alla sua composizione, nata come opera privata per un privato.

Eppure il lavoro non è solo un "peccato di vecchiaia". Sarebbe piuttosto una geniale scoperta della vecchiaia, un po' come Falstaff  lo fu per Verdi. Rossini non ha più nulla da perdere, colui al quale la vita ha dato tutto e che da più di tre decenni vive del suo reddito, che rimane all'epoca IL riferimento musicale, imitato dalle grandi glorie musicali che gli sono succedute, Auber, Meyerbeer, il belcanto (il giovane Donizetti!) fino ad Offenbach le cui operette (opéra bouffe) di successo devono tanto al maestro pesarese.
E se non è imitato, è rispettato (Wagner). Nel 1863, quando Rossini, compone la sua "Petite Messe" è finita la grande epoca del Romanticismo, Wagner ha definitivamente stabilito il suo sistema teorico e sta perfezionando il suo Tristano, sta componendo Meistersinger von Nürnberg dove torna alla commedia trent'anni dopo Das Liebesverbot. I tempi stanno cambiando.

Per quanto riguarda Rossini, egli è rimasto un osservatore attento della musica del suo tempo, ed è chiaro che non avrebbe scritto musica fuori moda e fuori dall'epoca. Ritornando alla composizione, e attraverso un'opera sacra, egli afferma questa libertà che la gloria e la considerazione gli danno. È chiaro che questo ritorno di Rossini alla composizione, vecchia gloria già imbalsamata da certi provocherà giudizi contraddittori, tra chi considererà questo ritorno sulla scena musicale inutile e sterile (Verdi) e chi ammirerà per principio perché Rossini non può essere messo in discussione. In sostanza, pochi iscriveranno la Petite Messe Solennelle nella lista dei capolavori e neanche delle opere degne di interesse.
Eppure ci vuole poco tempo per farsi sorprendere dalla modernità delle melodie al pianoforte, che sembrano quasi uscite dal Novecento. Infatti, la presenza del pianoforte al posto dell'orchestra a cui queste forme ci hanno abituato dà una strana impressione : come se stessimo assistendo ad una prova generale con pianoforte di un'opera ancora in fase di realizzazione, e allo stesso tempo così compiuta da poter fare a meno dell'orchestra. E questa sensazione è segnata anche dal lavoro musicale sulle arie dei solisti, soprattutto delle voci femminili.

Rossini sembra rispondere a una sorta di sfida personale : scrivere una "grande" messa per un salone, ridurre le forze a ciò che è strettamente necessario e sufficiente per darle alla composizione coerenza e direi grandezza. Una piccola messa per le forze presenti e una grande messa per la musica.

Si tratta infatti di una "vera" messa con una durata canonica, ma anche una sorta di scommessa che è sia divertente (bisogna leggere i testi di Rossini su quest'opera che dovrebbero aprirgli le porte del paradiso) sia molto seria (ci sono momenti sorprendenti di modernità, ma anche momenti che spiritualmente sono di sublime elevazione). Si è detto che si trattava di un'opera "teatrale", una sorta di Requiem verdiano del Poverello, e non condivido. Le parti vocali sia dei solisti che del coro (che Rossini voleva vedere cantare insieme) sono per me particolarmente marcate spiritualmente, e le parti solistiche del pianoforte (il doppio pianoforte dà ovviamente più forza) sono quelle in cui Rossini sembra non fare teatro ma andare oltre nella ricerca ritmica e melodica e tonale (colpisce durante l'offertorio). Niente di spettacolare né teatrale, ma la volontà di andare con estrema libertà oltre ciò che ci si aspetta . Come abbiamo scritto, Rossini non ha più nulla da aspettarsi dal giudizio degli uomini (critici o musicisti), è pienamente libero di "vagare", e riesce a stupirci.
È quindi pienamente legittimo che nella sua città natale l'omaggio agli operatori al servizio della collettività  e alla memoria delle vittime sia accompagnato dall'opera che meglio poteva corrispondere  all’ evento .

L'esecuzione musicale è stata infatti preceduta da quattro interventi. Quella del Presidente del Festival Daniele Vimini, che è anche Vice ‑sindaco incaricato della cultura di Pesaro, del Presidente della Regione Luca Ceriscioli già Sindaco di Pesaro. Sappiamo quale ruolo importante hanno avuto le regioni in Italia per la ripresa degli spettacoli. L'attuale sindaco Matteo Ricci, che ha insistito sull'importanza che il "dopo" ricominci con la cultura e infine, Ernesto Palacio, sovrintendente del festival, ha concluso questi importanti discorsi di apertura. Il concerto è poi iniziato con un minuto di silenzio.

E tra il pubblico, la senatrice Liliana Segre, figura chiave nella lotta contro il razzismo e l'antisemitismo , applaudita in modo vibrante dal pubblico presente.

Per questo concerto offerto dal Comune di Pesaro è stato fondamentale celebrare la memoria delle vittime, l'impegno del personale al servizio della popolazione che ha dato tanto durante il lockdown e i valori che tutti dovrebbero condividere.
Quindi La “Petite Messe” è stata ancora più “solennelle" e la musica di Rossini suonava veramente grande per l'occasione.

Inoltre, è stata eseguita in modo eccelso dagli artisti che sono stati riuniti. Naturalmente, lo spazio molto aperto richiedeva sonorizzazione e grandi schermi video ai lati per dare agli esecutori una visione più ravvicinata della musica.
Ovviamente musicalmente ci si può interrogare sull'idoneità di uno spazio così aperto e ampio per un'opera concepita per un'esecuzione in un salone privato. Si perde tutto ciò che il lavoro può avere di intimità, anche di raccoglimento, e il sistema sonoro non serve necessariamente alla verità musicale, ci sono stati degli squilibri tra i tre strumenti solisti, in particolare l'Harmonium (Luca Scandali) e il secondo pianoforte (Ludovico Bramanti) hanno perso molto, rispetto al primo pianoforte (Giulio Zappa) che si poteva invece apprezzare per la fluidità, lo slancio, le sfumature.

Bellissima performance del coro del Teatro della Fortuna de Fano, diretto da Mirca Rosciani. La sua qualità era già stata notata nelle precedenti edizioni, e ha confermato l'impressione positiva, con la presenza di un suono compatto ma che allo stesso tempo riusciva ad esprimere sfumature piuttosto delicate.
I solisti la cui importanza nell'opera è ovviamente notevole, vanno dal giovane tenore che inizia la sua carriera (Manuel Amati) al soprano già ben affermato sui palcoscenici europei (Mariangela Sicilia). Nei solisti, le voci femminili tra l’altro svolgono un ruolo essenziale.

Manuel Amati, con il suo timbro molto bello, ha ancora bisogno di affermarsi. I suoi interventi rimasero esitanti (fu indubbiamente commosso dalla circostanza). Non riuscì a dare i colori desiderati al suo canto, soprattutto all'inizio.
Il basso Mirco Palazzi, con voce sicura che sa imporsi, è uscito con onore ; ma sono state le due voci femminili a catturare l'attenzione (meglio servite anche dalla partitura). Cecilia Molinari si è fatta sempre più sicura di sé, la voce scura si è intrecciata mirabilmente a quella più brillante del soprano, con interventi marcati, dove ha saputo variare il colore e mostrare un canto molto intelligente.

Mariangela Sicilia ha avuto i momenti forse più "spettacolari" della serata, se si può usare questo termine nelle circostanze : ha dimostrato la sua padronanza tecnica, il controllo vocale in ogni momento su tutto il registro, un'esecuzione particolarmente attenta alle sfumature, con bei pianissimi, ma acuti sempre luminosi e chiari, e soprattutto ha saputo far spesso sentire l’emozione. Una magnifica performance.
Il tutto è stato diretto con grande precisione dal giovane Alessandro Bonato, che sapeva perfettamente, per quanto potevamo giudicare dal sistema audio, come curare l'equilibrio e dare coerenza all'insieme.

Tutto sommato, un momento importante, sia dal punto di vista simbolico che artistico : ha permesso di aprire ufficialmente un Festival che ha saputo offrire un programma ridisegnato ma di grande qualità come sempre, in ricordo dei tempi difficili che il mondo ha trascorso in primavera, e anche per rendere omaggio a una composizione che merita di essere eseguita più spesso. In un momento in cui le proposte devono essere ridimensionate, questo è un lavoro perfettamente adatto ai tempi .